Как научиться разбираться в искусстве


разбираемся в стилях живописи за 5 минут — Женский журнал "ЗОЛОТОЙ"

Если некий Серега ведет вас на выставку Ван Гога, не стоит концентрировать внимание на туфлях и штанах. Лучше изучите наши лайфхаки и покорите его интеллектом.

Если некий Серега ведет вас на выставку Ван Гога, не стоит концентрировать внимание на туфлях и штанах. Лучше изучите наши лайфхаки по главным стилям изобразительного искусства и покорите его интеллектом. 


Готика (Средневековье)

С 1180 по 1420 годы. Период доминирования церковной жизни над светской. Художники работают только с библейскими сюжетами – никаких древнегреческих мифов и сцен из реальной жизни. Изображение чаще всего яркое, вычурное, нет перспективы, смотрится как мозаика.

Как отличить: неестественные позы, яркие краски, все скорбят и молятся, у котов человеческие лица – интереснее всего стиль представлен в книге «Страдающее Средневековье».

Яркие представители: В этой культуре в чести была скромность, поэтому большинство художников остались безымянными. Пожалуй, лучшее в этом стиле осталось жить в архитектуре готических соборов. В России редкими примерами являются Грановитая палата, звонница Софийского собора Великого Новгорода и элементы стен и башен Московского кремля.

Возрождение/Ренессанс

14 век. Общественная жизнь стала помягче и художники вернулись к эстетике античности – культу человеческого тела и гуманистическим идеям. Всех интересует уже не религиозная, а светская жизнь. Расцвет скульптуры, чаще всего обнаженного человеческого тела во всех подробностях.

Смотрите также: И божество, и вдохновенье – украшения для творческих натур >>>

Как отличить: в картинах появляется перспектива, много героев, все красивые, голые и выглядят, как культуристы, художников зовут, как черепашек-ниндзя.

Яркие представители: Сандро Боттичелли, Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти, Микеланджело Буонаротти, Тициан, Донателло.

Барокко

16-17 век. Переводится как «неоднозначный». Мир начал развиваться в сторону технического прогресса, совершил грандиозные естественно-научные и географические открытия. Художники решили, что человек не так всемогущ и совершенен, как уверяли их предшественники из Возрождения.

Как отличить: драматично, пышно, телесно, толстые дети и нагие дамы с целлюлитом.

Яркие представители. Караваджо, Рубенс, Ван Дейк, Рембрандт, Вермеер.

Классицизм (Эпоха Просвещения)

17-19  век. Возврат к традициям античности и Ренессанса и выполнение строгих правил стиля. Пришло время рационализма, художники начинают выделять законы и каноны, по которым нужно создавать произведение.

Как отличить: логичные планы, героические и мифологические сюжеты, постановочность поз, патриотичные резкие и дерзкие парни и преувеличенно-женственные дамы.

Яркие представители: Карл Брюллов, Никола Пуссен, Жан Батист Грез.

Романтизм

19 век. Героика сходит на нет, появляется стремление к индивидуальности, пусть и несовершенной. Возникает культ природы, естественности, интерес к фольклору и национальной истории.

Как отличить: мир фантазий, все в тумане, природа добрая, зло – милое.

Яркие представители: Франсиско Гойя, Эжен Делакруа, Уильям Тернер, Орест Кипренский, Карл Брюллов, Михаил Врубель.

Реализм

19-20 век. На первый план выходит правдивость сюжетов, форм и оттенков. Очень популярный, прогрессивный и понятный даже неподготовленному зрителю стиль, который сдвинул искусство от элитарности к всеобщей доступности.

Как отличить: простые люди, быт, натурализм, детали, правдивое отображение жизни до изобретения фотоаппарата.

Яркие представители: Иван Шишкин, Илья Репин, Жюль Бретон, Густав Курбе.

Импрессионизм

19-20 век. Воплощение на холсте магии первого впечатления. Короткий миг передавался при помощи мазков. Такие картины нужно воспринимать с далекого расстояния.

Как отличить: Мане – люди, Моне – пятна, Дега – балерины, Ван Гог – подсолнухи.

Яркие представители: Огюст Ренуар, Поль Сезан, Винсент Ван Гог, Моне.

Авангардные стили

20 век. Футуризм, фовизм, абстракционизм, экспрессионизм, супрематизм и другие стили сложны для неподготовленного зрителя. В этот период художники, как люди, обладающие сверхинтуицией, осознали, что технический прогресс завел куда-то не туда, и начали отходить от традиционных форм и идей, искать новые средства и в конце-концов пришли к крайней точке несуществования – «Черному квадрату».

Как отличить: упрощение, поиск новых форм изобразительного искусства, игра с цветом, недоумение от ценников в десятки миллионов долларов на картины из трех разноцветных кривых прямоугольников.

Яркие представители: Винсент Ван Гог, Эдвард Мунк, Марк Ротко, Василий Кандинский, Казимир Малевич, Марк Шагал.

Сюрреализм

1920-30 годы. На двух авангардных направлениях остановимся подробнее. Если вам кажется, что вы перебрали с бесплатным шампанским, не пугайтесь: скорее всего, вы забрели в зал сюрреализма. Его основоположники стремились освободить творческий потенциал человеческого бессознательного и очень любили на досуге почитывать Зигмунда Фрейда.

Как отличить: все работы похожи на кадры из ваших ночных кошмаров, но вслух лучше сказать «экспрессия, крайняя степень фантазийности».

Яркие представители: Сальвадор Дали, Рене Магритт.

Кубизм

Тот случай, когда многие люди говорят: «Мой ребенок точно так же рисует». И, знаете, они отчасти правы. Пабло Пикассо говорил: «Я могу рисовать, как Рафаэль, но мне понадобится вся жизнь, чтобы научиться рисовать так, как рисует ребенок». Кубисты стремились показать объекты со всех сторон в двумерном пространстве холста, чтобы открыть свойства предметов, скрытые при классическом изображении.

Как отличить: аппликация, лоскутное письмо, геометрия, первая мысль: «Она вверх ногами висит, что ли?»

Яркие представители: Пабло Пикассо, Фернан Леже, Казимир Малевич.

Как понимать искусство - Reader's Digest

Без степени по истории искусства перспектива обсуждения искусства иногда может показаться немного подавляющей. Историк искусства доктор Лаура-Джейн Фоули разбирает это.

Открою вам секрет. Когда вы говорите об искусстве, нет неправильных ответов.

Как историк искусства, я страстно желаю донести свою любовь к искусству до широкой публики - вот почему я начал свою новую серию подкастов «Мое любимое произведение искусства».Каждую неделю я приглашаю известных людей поделиться произведениями искусства, которые имеют для них особое значение. Речь идет о личных историях, связанных с произведениями искусства, и об эмоциональной силе искусства. Я хочу поставить искусство в центр наших разговоров. И я хочу вселить уверенность в зрителях произведений искусства.

Иногда искусство может казаться недоступным или трудным для понимания. Но не стоит откладывать. В основе каждого взаимодействия с произведением искусства лежит следующее: нравится оно вам или нет?

Несмотря на то, что многие наши художественные галереи и музеи в Великобритании бесплатны, многие люди откладывают посещение, опасаясь, что они не поймут выставленное искусство.Есть опасения, что другие посетители могут быть более осведомлены и что все остальные понимают, что означают произведения искусства. Но это просто неправда. Перед произведением искусства все равны, и нет неправильных ответов.

«Перед произведением искусства все равны, и нет неправильных ответов»

Когда я говорю о проблемах понимания искусства, я часто вспоминаю рассказ Ганса Христиана Андерсена «Новые одежды императора».

Два ткача обещают Императору роскошный и волшебный костюм, который может увидеть только умный и опытный человек.Всем остальным одежда кажется невидимой. Когда Император выступает перед своими подданными в «новой одежде», все хвалят новую красивую одежду - никто не смеет признать, что ничего не видит. Нужен маленький ребенок, чтобы сказать правду - «но на нем совсем ничего!» Крещение! «Слушайте голос невиновности», - восклицают подданные Императора.

Точно так же вы должны выглядеть невинно перед произведением искусства. Современное искусство может быть особенно трудно понять и оценить, но наслаждение произведением искусства - это внутренний инстинкт.Тебе нравится это, или нет? Вам это кажется поразительным или нет? Хотите узнать больше или нет? Это действительно так просто. Если тебе это не нравится, ничего страшного! Неважно, что говорят или думают другие люди.

«Ты единственный критик, который имеет значение»

Очень уважаемый историк искусства по имени Эрнст Гомбрих написал о чем-то, что называется «долей смотрящего». Гомбрич считал, что зритель «завершает» произведение искусства, и что часть значения произведения исходит от человека, просматривающего его.Итак, вы видите - на самом деле нет неправильных ответов, поскольку это вы, как зритель, завершающий работу.

Но есть вещи, которые вы можете сделать, чтобы немного больше понять и оценить искусство. Когда я смотрю на произведение искусства, я провожу визуальный анализ. Сначала я смотрю на формальные элементы - цвет, текстуру, размер.

Представьте, что мы смотрим на картину. Я смотрю на цвет (какие цвета используются? Яркие, основные цвета или более тонкие оттенки - вызывает ли палитра какие-либо сильные эмоции? Напоминает ли она мне что-нибудь еще?) Я смотрю на мазки кисти (видны ли они? они большие или маленькие? Похоже, их сделали быстро?) Картина большая или маленькая? Почему это могло быть создано? Я смотрю, что изображается, если что-то изображено (что это? Узнаю ли я это? Напоминает ли мне что-нибудь - в истории, текущих событиях или даже в моей собственной жизни?) В целом, картина в целом напомнить мне что-нибудь еще (возможно, другого исполнителя, музыкальное произведение, чувство или эмоцию.) Это те вопросы, которые историк искусства задаст, столкнувшись с произведением искусства.

Если вы смотрите на искусство в галерее, прочтите текст на стене сбоку от произведения искусства. Если сотрудники присутствуют, задавайте вопросы. Спросите своих знакомых, что они думают. Задавать вопросы - это ключ к пониманию большего - и это касается всего в жизни, а не только искусства. Но прежде всего будьте уверены перед произведением искусства. Если вы созерцаете произведение искусства, значит, вы предполагаемый зритель, и то, что вы думаете, имеет значение.Вы единственный критик, который имеет значение.

Доктор Лаура-Джейн Фоули представляет мое любимое произведение искусства. Подкаст доступен для прослушивания в Acast или iTunes / Apple подкасты

.

Как понять искусство на примере Марка Ротко | ДАША ЯНКОВСКАЯ | Примечателен

Марк Ротко

Если вы посмотрите на живопись и задаетесь вопросом: «Я мог бы сделать лучше» или «Мой ребенок мог бы это нарисовать», вы упускаете суть. Скорее всего, эта реакция вызвана каким-то недоразумением, которое уводит вас от возможности наслаждаться искусством. Я не говорю о мадоннах Рафаэля, с которыми так легко испытать чувство радости и удовольствия. Понятные формы, великолепные оттенки цвета и самоочевидное пронзительное мастерство художника заставляют нас прийти к выводу, что, без сомнения, Рафаэль - гений.

Рафаэль Мадонна делла сеггиола

Но часто ли это происходит, когда мы приходим в музей без всяких знаний и встречаем абстрактные картины? Думаю, нет. В данном случае некоторые из нас не могут сказать ничего лучше тех фраз, с которых я начал свой рассказ. Иногда искусство может казаться недоступным. Но дайте ему шанс, и он может оказаться очень личным и обогащающим.

Шаг 1: Изучите историю и поймите термины.

Чтобы понять и прочувствовать всю глубину картин Марка Ротко, нужно освежить в памяти начало 20 века.Первая мировая война и революционные движения. Люди воспринимали реальность через призму таких чувств, как страх, разочарование, отчаяние и тревога. Эти испытания заставили людей найти способы выразить свои эмоции. Термин Expressionism был введен в обращение в начале 20 века и подчеркивал внутренние чувства художника, а не копирование реальности. Экспрессионисты изображают не реальность, а скорее чувства и эмоции, которые эта реальность создает. Это художественное направление характеризовалось упрощенными формами, яркими цветами и жесткими мазками или отметками.

Хотя сам Ротко отказался придерживаться какого-либо направления в искусстве, его обычно называют абстрактным экспрессионистом . Это направление искусства освобождает искусство от логических законов. Художник спонтанно выражает свое подсознание и внутренний мир в хаотических и абстрактных формах. Главный принцип абстрактного экспрессионизма - спонтанная, автоматическая живопись на холсте, происходящая только под влиянием душевных и эмоциональных состояний.

Чтобы лучше понять эти два термина, попробуйте ответить на вопрос «Как бы вы выразили самую яркую интенсивность депрессивных чувств?» Если вы представили себе человека, внешность которого указывает на депрессию, это экспрессионизм .Если вы смогли не думать о человеческой фигуре и увидеть чистое чувство, это абстрактный экспрессионизм .

«Я не абстракционист. Меня не интересуют отношения цвета, формы или чего-либо еще. Меня интересует только выражение основных человеческих эмоций: трагедии, экстаза, гибели и так далее ».

- Марк Ротко

Шаг 2. Изучите биографию художника и выясните, что повлияло на его творчество.

Марк Ротко

Ротко стал одним из величайших американских художников, но он не был американцем, и он не стал абстрактным экспрессионистом сразу. Он родился Маркус Ротковиц в Двинске, Россия, и иммигрировал в Соединенные Штаты со своей семьей в молодости. Развитие его искусства происходило в Нью-Йорке в 1930-е годы. На творческие периоды Марка Ротко оказали влияние кубисты, сюрреалисты, Ницше, Фрейд, Юнг, Великая депрессия и картины Анри Матисса. Картины с цветовым полем Клиффорда Стилла оказали решающее влияние на Ротко.

Клайффорд Стилл рисует

Абстрактные цветные плоскости Клайффорда открыли для Марка новое направление, и в последующие годы он работал в соответствии с ним. Ротко отошел от фигуративного искусства и отдал свои картины силе цвета, света и формы. Картины цветного поля принесли ему всемирную известность. С тех пор имя Марка Ротко навсегда вошло в историю абстрактного экспрессионизма.

Шаг 3. Окунитесь в творчество художника.

На первый взгляд картины Ротко могут показаться статичными.Но если вы потратите больше времени на их рассмотрение, вы внезапно обнаружите, что изображение движется, пульсирует, излучает таинственный и непонятный свет. Картины приглашают вас в непредсказуемое путешествие в неизведанное измерение.

Оранжевый и желтый 1956№9 Тьма поверх света Земля

Работы Ротко пульсируют, потому что он использовал особую технику для их создания. Ярко очерченные границы между цветами создают глубину, и вы неизбежно в нее погружаетесь. Марк использовал размытые очертания и цвета, чтобы пробудить в нас чувства.Они поднимаются из глубины нашей души и создают вибрации, которые входят в резонанс с картиной.

Синий, зеленый и коричневый 1952

«… Я пишу очень большие картины. Я понимаю, что исторически функция создания больших картин - это создание чего-то грандиозного и помпезного. Однако причина, по которой я их пишу - я думаю, это применимо к другим художникам, которых я знаю - именно потому, что я стал очень близким и человечным. Нарисовать маленькую картинку - значит поставить себя за пределы своего опыта, смотреть на опыт как на стереоптикон, смотреть на уменьшающееся стекло.Как бы вы ни рисовали большую картину, вы в ней. Это не то, что вы приказываете.

- Марк Ротко

№14, 1960

Если вы действительно хотите ощутить все грани шедевров Марка, вам необходимо увидеть его картины, потому что репродукций в этом случае недостаточно. Маленькие изображения не отражают его работу. Пространство выставочных залов всегда организовано особым образом по желанию самого художника. Ротко настаивал на эксклюзивных помещениях для своих картин и сопротивлялся любым попыткам смешивать свои работы с картинами других художников.Полотна Марка расположены на небольшом расстоянии друг от друга в темных комнатах без окон и расположены низко к полу. Картины нужно рассматривать с близкого расстояния. Эта среда просмотра помогает нам раствориться в работах Ротко и ощутить тот же духовный опыт, который испытал художник при создании своих картин.

Black in Deep Red, 1957

Все работы Ротко грандиозны по своей задумке. На мой взгляд, очень сложно, нежелательно и бессмысленно пытаться их описать.Они созданы для того, чтобы каждый из нас погрузился в них и воспринимал их по-своему. Когда вы оказываетесь перед впечатляющей картиной Марка Ротко, вы наблюдаете движение разноцветных блоков, новые комбинации и переходы цветов. Вы видите движущийся и люминесцентный свет, для этого Марк использовал технику нанесения нескольких оттенков друг на друга. Все это вызывает гипнотическое ощущение замедления времени.

В 1949 году Марк Ротко начал использовать оттенки темных тонов.Переход к депрессивным и мрачным цветам произошел в 1957 году. Такие картины требуют от нас большего внимания, потому что легче различить различия между темным и светлым, чем между темными и еще более темными цветами. Ротко усложнил свое искусство в отличие от поп-арта, который в то время заполонил все выставочные залы.

Шаг 4. Прочтите интересные рассказы о художнике.

«Я надеюсь испортить аппетит каждому сыну… кто когда-либо ел в этой комнате».

- Марк Ротко

В 1959 году Ротко отказался от своего соглашения о предоставлении своих картин для ресторана Four Seasons в здании Seagram Building в Нью-Йорке.Это был самый престижный общественный заказ, который когда-либо присуждался абстрактному экспрессионисту. Ротко решил подарить девять картин, которые он планировал для «Времена года», лондонской галерее Тейт Модерн.

Black on Maroon

Марк так и не смог удовлетворительно объяснить, почему в 1958 году он согласился на оформление ресторана на Парк-авеню и почему он решил забрать свои картины и вернуть 35 000 долларов.

«Проработав некоторое время на работе, я понял, что на меня подсознательно сильно повлияли стены Микеланджело на лестнице Медичанской библиотеки во Флоренции.Он достиг именно того ощущения, которое мне нужно - он заставляет зрителей чувствовать, что они заперты в комнате, где все двери и окна замурованы кирпичом, так что все, что они могут сделать, это навсегда бодаться головой о стену, ”

- Марк Ротко

Черный на бордовом

Если мы посмотрим на картины Ротко в галерее Тейт Модерн, мы обнаружим, что они напоминают нам окна, порталы и двери, которые должны позволить нашему разуму выйти наружу. Вместо этого они просто ведут нас к бордовым преградам.Напоминает закрытые окна вестибюля Микеланджело. Таким образом, становится ясно, что Ротко хотел создать в столовой зловещую атмосферу с помощью клаустрофобных картин - пространство, где самые богатые люди будут чувствовать себя неуютно. Мы можем предположить, что Ротко хотел доказать, что его картины могут оказывать влияние и что он может превратить этот ресторан в место, где доминирует его искусство.

Так почему он решил отозвать свои картины?

«Тот, кто будет есть такую ​​еду по таким ценам, никогда не увидит мою картину»

- Марк Ротко

Может быть, когда он и его жена посетили этот ресторан в 1959 году, он пришел к осознанию того, что его картины будут просто украшением самого роскошного места в Нью-Йорке, и что они не могут оказать никакого влияния на богатых посетителей и что-либо изменить.

Примечание: Хочу добавить лишь один маленький факт о Ротко. Когда бы он ни продавал картину в частном порядке, он сначала хотел бы узнать реакцию покупателя на произведение искусства, чтобы понять, будет ли новый владелец использовать картину как шедевр искусства или как красивое украшение.

Шаг 5. Изучите знаковую картину художника.

В 1964 году Джон и Доминик де Менил заказали Ротко создание медитативного пространства, наполненного его картинами, известного как часовня Ротко.Внутри выставлены четырнадцать картин Ротко. На трех стенах выставлены триптихи, а на других пяти стенах - отдельные картины.

Часовня Ротко была основана в 1971 году и имела форму восьмиугольника, начертанного на греческом кресте. Часовня предоставляет место людям, нуждающимся в медитации и духовном руководстве. Он открыт для всех, кто придерживается любых религиозных или духовных убеждений.

Картины Марка, которые выставлены в часовне, выглядят по-разному для каждого посетителя, который их видит, потому что оттенки черных картин меняются в зависимости от интенсивности света в каждый день.Известно, что эти 14 картин вызывают у людей слезы из-за своей простоты и красоты, что говорит о таланте художника.

Эти картины - своего рода портал за пределы. Когда вы смотрите на них, вы смотрите на бесконечность. Марк Ротко достиг этого эффекта, используя темные цвета, потому что яркие останавливают ваше зрение на холсте, когда темные цвета выходят за его пределы.

Он шесть лет работал над 14 большими картинами часовни и не дожил до открытия здания в 1971 году.

Сын Марка Ротко пришел посмотреть часовню, когда ему было 33 года. Он был удивлен, что поначалу картины с ним особо не общались.

«Я почти ушел ни с чем, но задержался ненадолго и в итоге провел там час и 15 минут. Время как бы остановилось. Я даже не могу сказать, куда я пошел в тот момент. Я просто знаю, что это был опыт Ротко, в отличие от того, что у меня было раньше ».

- Кристофер Ротко

Шаг 6.Узнайте, сколько стоят картины художника.

В 2012 году « Orange, Red, Yellow» , картина Марка Ротко 1961 года, была продана на Christie’s за 86 882 500 долларов. Это была рекордная номинальная цена послевоенного современного искусства на публичных торгах.

Orange, Red, Yellow, 1961

Шаг 7. Прочтите о последних годах жизни художника.

« Черное на сером» Ротко , исполненное в последние годы его жизни. Он изображал свет и тьму в напряженном равновесии. Эти группы картин представляют собой эпические битвы не на жизнь, а на смерть.Эти произведения искусства стали материализацией заявления, сделанного Ротко за двадцать лет до их создания.

«Работа художника, перемещаясь во времени от точки к точке, будет направлена ​​на достижение ясности: устранение всех препятствий между художником и идеей, а также между идеей и наблюдателем».

- Марк Ротко

Марк Ротко пережил несколько неудач в конце своей жизни. Ему посоветовали никогда не работать в больших масштабах из-за массивной аневризмы аорты.Ему была предписана строгая диета, ему не разрешалось употреблять алкоголь и курить сигареты, от которых он стал зависимым, он становился все более подавленным, а позже он расстался с женой и детьми. Он переехал в свою студию в 1969 году и ушел из мира в целом и почти полностью занялся последующими работами. «Очень нервный, худой, беспокойный», - так его друг описал Ротко в это время.

25 февраля 1970 года Марк Ротко был найден мертвым в своей студии в Нью-Йорке после совершения самоубийства.Он принял передозировку барбитуратов и порезал артерию на правой руке. Ему было 66 лет.

Надеюсь, это простое руководство поможет вам лучше понять любого творческого человека в мире и, возможно, поможет вам стать более разносторонним. Изучение того, почему художника называют гением, никому не повредит, верно? История Марка Ротко показывает, что иногда приходится выбирать необычные способы самовыражения. Это показывает, что мы не можем судить об искусстве по сложности его создания. И даже если мы думаем, что это было легко, это было совсем не так.Потому что на примере Марка Ротко мы видим, что он провел много экспериментов, прежде чем нашел свой уникальный стиль, и что это потребовало огромной умственной и физической работы. И даже тогда искусство требовало всех его моральных и физических сил, чтобы подарить миру свои картины. История Марка Ротко показывает, что смысл произведений искусства не всегда очевиден с первого взгляда. Искусство требует времени. И это хорошо, потому что хорошее никогда не бывает легко.

Я также хотел бы упомянуть кое-что более важное, чем все термины, история и рассказы; это чувства и эмоции, которые вы испытываете, глядя на произведение искусства.Если у вас мурашки по коже или слезы на глазах, стоя рядом с картиной, значит, ваше сердце без слов общается с художником. И это тот момент, когда между вами и художником нет дистанции даже в смерти. Это момент, когда без книг и статей понимаешь, что художник хотел выразить и рассказать миру. Это чистое общение. Это самое невероятное чувство, которое вы можете испытать, исследуя искусство. Это случилось со мной, например, когда я был в Париже и смотрел картины Ван Гога.Я плакал не только из-за красоты его произведений искусства, но и из-за того, что осознал, как сильно он любит жизнь и природу. Некоторое время спустя я обнаружил, что именно это он хотел, чтобы люди чувствовали, глядя на его картины. Итак, чтобы получить этот опыт, я рекомендую вам иметь намерение понять и иметь желание начать диалог в своем сердце с художником.

Спасибо за внимание.

.

Секрет осмысления современного абстрактного искусства - искусство - это развлечение

Закрученные формы, множество красочных узоров ... Путь текущей реки, пересекающей поля с пышной растительностью ... или, может быть, вы видите чистую энергию и космос течь?

На этот вопрос нет правильного или неправильного ответа. Абстрактное искусство открыто для интерпретации, и это одна из его прекрасных черт. Абстрактное искусство не выпрыгивает и не заявляет: «Я весь в этом». Вместо этого абстрактное искусство требует от вас открытого, пытливого ума; вы должны войти в картину и посмотреть, куда она вас приведет.Абстрактное искусство дает вам свободу исследовать произведение искусства и придавать ему собственное значение. Этот сугубо личный процесс обогащает впечатление зрителя от произведения искусства.

Понимание абстрактного искусства дается далеко не каждому. Это искусство, которое заставляет некоторых людей чесать в затылках и говорить: «Мой пятилетний ребенок мог бы это сделать». Люди не осознают, что лучшие художники-абстракционисты обладают прекрасными навыками рисования, тонко отточенным чувством композиции и глубоким пониманием работы цвета.У большинства художников-абстракционистов есть возможность нарисовать идеально переданную розу или реалистичный портрет, но они предпочитают этого не делать. Вместо этого они предпочитают выражать свое творчество, создавая более свободный визуальный опыт, не обремененный весом предметов.

Абстрактное искусство также может вызывать беспокойство у людей, потому что они автоматически не знают, «о чем» это искусство, даже с беглого взгляда. Или они предполагают, что, поскольку это ни на что не похоже, то это не «ни о чем». Абстрактное искусство не содержит узнаваемых предметов, поэтому не за что цепляться или держаться.Это может сбивать с толку и даже угрожать некоторых, кто не привык придавать собственное значение тому, что они видят перед собой.

На самом деле абстрактное искусство не «ни из чего». По своей сути это форма, цвет, линия, текстура, узор, композиция и процесс. Это формальных качеств произведений искусства, потому что они описывают, как выглядит искусство и как оно создается. Абстрактное искусство - это исследование этих формальных качеств. Значение происходит от того, как эти формальные качества используются для создания визуального (и / или интуитивного, церебрального, эмоционального и т. Д.) Опыта.

Как начать понимать абстрактное искусство?

.

Объяснение абстрактного искусства для относительно невежественных людей - искусство - это развлечение

Абстрактное искусство позволяет зрителю решать, о чем произведение искусства, на очень личном уровне. Критик Поллока не знал, с чего начать в плане понимания абстрактного искусства. В интерпретации картины нет ничего, за что можно было бы держаться, поэтому вы должны раскрыть свою интуицию и посмотреть, куда картина приведет вас. Вы должны взаимодействовать с картиной, потому что она не скажет вам, о чем она.

Если вы хотите полностью оценить произведение искусства, важно понимать мотивы художника, стоящие за ним. С одной стороны, большая часть красоты искусства заключается в том, что мы, зрители, можем привнести свой собственный смысл и назначить свой собственный контекст произведению искусства, основанному на наших воспоминаниях, личностях и жизненном опыте. Нам не нужно точно знать , о чем должно быть произведение искусства, чтобы испытывать глубокую признательность за него.

С другой стороны, знание мыслительного процесса художника для создания определенного произведения искусства добавляет дополнительный уровень смысла и ценности каждой из наших индивидуальных интерпретаций произведения.Это может потребовать дополнительных усилий, но, в конце концов, определенно стоит потратить немного усилий, чтобы прочитать немного о намерениях художника, стоящих за произведением искусства. Это еще больше углубит ваши поиски понимания абстрактного искусства.

Все искусство создается в определенном контексте. Художники, как и их искусство, формируются эпохой, в которой они работают. На них влияет то, что происходит в обществе, политике и текущие потоки интеллектуальной мысли, смешанные с повседневной поп-культурой и их собственной повседневной жизнью.Все эти факторы, сознательно или нет, оставляют впечатление в сознании художника и, в свою очередь, определяют форму и направление произведения искусства. Ничего не существует в вакууме, в том числе искусство!

Абстрактное искусство существует около года с тех пор, как мы были пещерными людьми года, это самые ранние известные произведения, датируемые 70 000 лет назад. В этом смысле нет ничего нового или радикального в современном абстрактном искусстве, каким мы его знаем. Все культуры, от древних до наших дней, имеют форму абстрактного искусства. Только подумайте об африканских тканях с принтом, замысловатой тибетской вышивке бисером, одеялах навахо, исламских геометрических узорах - и это лишь некоторые из них.Эти культуры веками создавали свои абстрактные произведения искусства, прежде чем западное искусство наконец начало создавать свою собственную версию.

.

Смотрите также